Neoclasicismo: Pintura, Escultura, Arquitectura Y Moda

Biblioteca neoclasica

El neoclasicismo (también deletreado neo-clasicismo; del griego νέος nèos, «nuevo» y griego κλασικός klasikόs, «del rango más alto») fue un movimiento cultural occidental en las artes decorativas y visuales, la literatura, el teatro, la música, y arquitectura que se inspiró en el arte y la cultura de la antigüedad clásica. El neoclasicismo nació en Roma en gran parte gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann, en el momento del redescubrimiento de Pompeya y Herculano, pero su popularidad se extendió por toda Europa mientras una generación de estudiantes de arte europeos terminaban su Grand Tour y regresaban de Italia a sus países de origen con ideales grecorromanos recién redescubiertos. El principal movimiento neoclásico coincidió con la Era de la Ilustración del siglo XVIII, y continuó a principios del siglo XIX, compitiendo lateralmente con el romanticismo. En arquitectura, el estilo continuó a lo largo de los siglos XIX, XX y XXI.

El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c. 1760 en oposición al entonces dominante estilo rococó. La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; la arquitectura neoclásica se basa en los principios de simplicidad y simetría, que fueron vistos como virtudes de las artes de Roma y la Antigua Grecia, y fueron más inmediatamente extraídos de la 16-Clasicismo renacentista del siglo XX. Cada «neo»-clasicismo selecciona algunos modelos entre la gama de clásicos posibles que están disponibles para él, e ignora otros. Los escritores y habladores neoclásicos, mecenas y coleccionistas, artistas y escultores de 1765-1830 rindieron homenaje a una idea de la generación de Fidias, pero los ejemplos escultóricos que en realidad abrazaron eran más bien copias romanas de esculturas helenísticas. Ignoraron tanto el arte griego arcaico como las obras de la Antigüedad tardía. El arte «rococó» de la antigua Palmira vino como una revelación, a través de grabados en Las Ruinas de Palmira de madera. Incluso Grecia era todo menos visitada, un remanso áspero del Imperio Otomano, peligroso de explorar, así que la apreciación de los neoclasicistas de la arquitectura griega fue mediada a través de dibujos y grabados, que suavizaron y regularizaron sutilmente, «corrigieron» y «restauraron» los monumentos de Grecia, no siempre conscientemente.

El estilo Imperio, una segunda fase del neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas, tuvo su centro cultural en París en la época napoleónica. Especialmente en la arquitectura, pero también en otros campos, el neoclasicismo siguió siendo una fuerza mucho después de principios del siglo XIX, con oleadas periódicas de revivalismo en el siglo XX e incluso el siglo XXI, especialmente en los Estados Unidos y Rusia.

Arquitequtura del neocalsicismo

Historia

El neoclasicismo es un renacimiento de los muchos estilos y el espíritu de la antigüedad clásica inspirado directamente del período clásico, que coincidió y reflejó los desarrollos en la filosofía y otras áreas de la Era de la Ilustración, y fue inicialmente una reacción contra los excesos del estilo rococó anterior. Mientras que el movimiento se describe a menudo como la contraparte opuesta del romanticismo, esto es una gran simplificación excesiva que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas o obras específicas. El caso del supuesto campeón principal del neoclasicismo tardío, Ingres, lo demuestra especialmente bien. El renacimiento se puede remontar al establecimiento de la arqueología formal.

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums («Historia del arte antiguo», 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo y el arte romano, y definir períodos dentro del arte griego, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego imitación o decadencia que sigue teniendo influencia hasta nuestros días. Winckelmann creía que el arte debe apuntar a la «noble sencillez y la calma grandeza», y elogió el idealismo del arte griego, en el que dijo que encontramos «not only nature at its most beautiful but also something beyond nature, namely certain ideal forms of its beauty, which, as an ancient interpreter of Plato teaches us, come from images created by the mind alone». La teoría estaba muy lejos de ser nueva en el arte occidental, pero su énfasis en la copia cercana de los modelos griegos era: «La única manera de que nos convirtamos en grandes o si esto es posible, inimitable, es imitar a los antiguos».

Con el advenimiento del Grand Tour, comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones extendiendo un renacimiento neoclásico por toda Europa. «Neoclasicismo» en cada arte implica un canon particular de un modelo «clásico».

En inglés, el término «neoclasicismo» se utiliza principalmente de las artes visuales; el movimiento similar en la literatura inglesa, que comenzó considerablemente antes, se llama literatura augusta. Esto, que había sido dominante durante varias décadas, estaba empezando a declinar en el momento en que el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos difieren, la situación en la literatura francesa era similar. En la música, el período vio el auge de la música clásica, y el «neoclasicismo» se utiliza de los desarrollos del siglo XX. Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaron un enfoque específicamente neoclásico, que se explica en su prefacio a la partitura publicada de Alceste (1769), que tenía como objetivo reformar la ópera mediante la eliminación de la ornamentación, aumentando el papel del coro en línea con la tragedia griega, y usando líneas melódicas sin adornos.

El término «neoclásico» no se inventó hasta mediados del siglo XIX, y en ese momento el estilo fue descrito por términos como «el verdadero estilo», «reformado» y «renacimiento»; lo que se consideraba como ser revivido varía considerablemente. Los modelos antiguos estaban ciertamente muy involucrados, pero el estilo también podría considerarse como un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un retorno al barroco más austero y noble de la época de Luis XIV, para la que se había desarrollado una considerable nostalgia a medida que la posición militar y política dominante de Francia comenzaba un serio declive.

El retrato de la coronación de Ingres de Napoleón incluso tomó prestado de dípticos consulares de la Antigüedad tardía y su renacimiento carolingio, a la desaprobación de los críticos.

El neoclasicismo era más fuerte en la arquitectura, la escultura y las artes decorativas, donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que la escritura de Winckelmann encontró en la escultura eran y son carentes. Winckelmann estuvo involucrado en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas que se descubrieron, en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de los contemporáneos excepto Gavin Hamilton, no se sintió impresionado por ellos, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su período.

En cuanto a la pintura, la pintura griega se perdió por completo: los pintores neoclasicistas la revivieron imaginativamente, en parte a través de frisos en bajorrelieve, mosaicos y pintura de cerámica, y en parte a través de los ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael, frescos en la Domus áurea, Pompeya y Herculano de Nerón, y a través de una renovada admiración por Nicolas Poussin. Mucha pintura «neoclásica» es más clasicista en el tema que en cualquier otra cosa. Una feroz, pero a menudo muy mal informada, disputa rabió durante décadas sobre los méritos relativos del arte griego y romano, con Winckelmann y sus compañeros helenistas en general estar en el lado ganador.

Pintura y grabado

Pintura del neoclasicismo

Es difícil recapturar la naturaleza radical y excitante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora golpea incluso a los escritores favorablemente inclinados a ella como «insípido» y «casi por completo interesante para nosotros»-algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnassus de Anton Raphael Mengs en la Villa Albani, por el artista a quien su amigo Winckelmann describió como «el más grande artista suyo, y quizás de tiempos posteriores». Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados, de John Flaxman usaron un dibujo de líneas muy simple (considerado el medio clásico más puro) y figuras principalmente de perfil para representar La Odisea y otros temas, y una vez «despidieron a la juventud artística de Europa» pero ahora están «descuidados»Mientras que las pinturas de historia de angélica Kauffman, principalmente un retratista, se describen como tener «una suavidad untuosa y tedio» por Fritz Novotny. La frivolidad rococó y el movimiento barroco habían sido despojados, pero muchos artistas lucharon por poner cualquier cosa en su lugar, y en la ausencia de ejemplos antiguos para la pintura de la historia, aparte de los vasos griegos utilizados por Flaxman, Rafael tendió a ser utilizado como un modelo sustituto, como recomendó Winckelmann.

La obra de otros artistas, que no se podía describir fácilmente como insípida, combina aspectos del romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forman parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando sobre todo dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la prescripción de Winckelmann de «noble simplicidad y grandeza tranquila». A diferencia de los esquemas no realizados de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi eran numerosos y rentables, y llevados de vuelta por aquellos que hacían el Grand Tour a todas partes de Europa. Su tema principal eran los edificios y ruinas de Roma, y fue más estimulado por los antiguos que por los modernos. La atmósfera algo inquietante de muchos de sus Vedute (puntos de vista) se vuelve dominante en su serie de 16 impresiones de Carceri d’Invenzione («Prisiones imaginarias») cuya «arquitectura ciclópea opresiva» transmite «sueños de miedo y frustración». El suizo Johann Heinrich Füssli pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y aunque su estilo fundamental se basaba en los principios neoclásicos, sus temas y tratamiento reflejaron más a menudo la cepa «gótica» del romanticismo, y trató de evocar el drama y la emoción.

El neoclasicismo en la pintura ganó un nuevo sentido de la dirección con el éxito sensacional del juramento de Jacques-Louis David del Horatii en el Salón de París de 1785. A pesar de su evocación de las virtudes republicanas, esta fue una comisión del gobierno real, que David insistió en pintar en Roma. David logró combinar un estilo idealista con el drama y la contundencia.

La perspectiva central es perpendicular al plano pictórico, más acentuado por la tenue arcada detrás, sobre la que se disponen las figuras heroicas como en un friso, con un toque de la iluminación artificial y puesta en escena de la ópera, y el colorido clásico de Nicolas Poussin. David rápidamente se convirtió en el líder del arte francés, y después de la Revolución Francesa se convirtió en un político con el control de gran clientelismo gubernamental en el arte. Logró conservar su influencia en el período napoleónico, recurriendo a obras francamente propagandísticas, pero tuvo que salir de Francia para el exilio en Bruselas en la Restauración Borbón.

Los muchos estudiantes de David incluyeron a Jean-Auguste-Dominique Ingres, que se veía a sí mismo como un clasicista a lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación equívoca con la corriente principal del neoclasicismo, y muchas diversiones posteriores en el orientalismo y el estilo trovador que son difíciles de distinguir de los de sus contemporáneos románticos descaradamente, excepto por la primacía de sus obras siempre dan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del impresionismo, pero su estilo, una vez formado, cambió poco.

Escultura

Si la pintura neoclásica sufría de una falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir de un exceso de ellos, aunque los ejemplos de escultura griega real del «período clásico» a partir de alrededor de 500 aC eran entonces muy pocos; las obras más apreciadas eran en su mayoría copias romanas. Los principales escultores neoclásicos gozaron de una gran reputación en su época, pero ahora son menos considerados, con la excepción de Jean-Antoine Houdon, cuya obra fue principalmente retratos, muy a menudo como bustos, que no sacrifican una fuerte impresión de la personalidad del retratista al idealismo. Su estilo se hizo más clásico a medida que su larga carrera continuó, y representa una progresión bastante suave del encanto rococó a la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistió en que sus niñeras llevaran vestido romano, o que fueran desnudas. Retrató a la mayoría de las figuras notables de la Ilustración, y viajó a Estados Unidos para producir una estatua de George Washington, así como bustos de Thomas Jefferson, Ben Franklin y otros fundadores de la nueva república.

Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen tenían su sede en Roma, y además de retratos produjeron muchas figuras y grupos ambiciosos de tamaño natural; ambos representaban la tendencia fuertemente idealizadora de la escultura neoclásica. Canova tiene una ligereza y gracia, donde Thorvaldsen es más severa; la diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias. Todos estos, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el romanticismo fue lento para impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo siguieron siendo el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.

Un neoclasicista temprano en la escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel. [30] John Flaxman fue también, o principalmente, un escultor, produciendo principalmente relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; también diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph, uno de los pocos escultores neoclásicos que murió joven, fueron los principales artistas alemanes[31] con Franz Anton von Zauner en Austria. El escultor austríaco barroco tardío Franz Xaver Messerschmidt recurrió al neoclasicismo a mitad de carrera, poco antes de que pareciera haber sufrido algún tipo de crisis mental, después de lo cual se retiró al país y se dedicó a las muy distintivas «cabezas de carácter» de figuras calvas tirando de expresiones faciales extremas. Al igual que el Carceri de Piranesi, estos disfrutaron de un gran renacimiento del interés durante la era del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.

Ya que antes de la década de 1830 los Estados Unidos no tenían una tradición escultórica propia, excepto en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa, la manera neoclásica europea fue adoptada allí, y se mantuvo durante décadas y se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers y William Henry Rinehart.

Arquitectura y artes decorativas

El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresista al mismo tiempo.

El neoclasicismo primero ganó influencia en Inglaterra y Francia, a través de una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia, Polonia y Rusia. Al principio, la decoración clasicista fue injertada en formas europeas familiares, como en los interiores para el amante de Catalina II, el conde Orlov, diseñado por un arquitecto italiano con un equipo de stuccadori italiana: sólo los medallones ovales aislados como camafeos y el bajorelieve overdoors pista de neoclasicismo; los muebles son totalmente rococó italiano.

Una segunda onda neoclásica, más severa, más estudiada (a través de grabados) y más conscientemente arqueológica, se asocia con la altura del Imperio napoleónico. En Francia, la primera fase del neoclasicismo se expresó en el «estilo de Luis XVI», y la segunda en los estilos llamados «Directoire» o Imperio. El estilo rococó siguió siendo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como una declaración política por los italianos jóvenes, progresistas, urbanos con inclinaciones republicanas.

En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles del Imperio hechos en París, Londres, Nueva York, Berlín; en los muebles de Biedermeier hechos en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el recientemente construido «capitolio» en Washington, D.C.; y en los bajorrelieves y jarrones «basaltes negros» de Wedgwood. El estilo era internacional; el arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos italianos para la alemana Catalina II la Grande, en el ruso St. Petersburg.

En el interior, el neoclasicismo descubrió el auténtico interior clásico, inspirado en los redescubrimientos de Pompeya y Herculano. Estos habían comenzado a finales de la década de 1740, pero sólo lograron una amplia audiencia en la década de 1760, con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrechamente controlada de Le Antichità di Ercolano (Las Antigüedades de Herculano). Las antigüedades de Herculano demostraron que incluso los interiores más clásicos del barroco, o las habitaciones más «romanas» de William Kent se basaban en la arquitectura exterior de basílica y templo girado hacia el exterior, de ahí su apariencia a menudo grandilocuente a los ojos modernos: marcos de ventana pedimented convertido en espejos dorados, chimeneas rematadas con frentes del templo. Los nuevos interiores buscaban recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.

Las técnicas empleadas en el estilo incluían motivos planos, más ligeros, esculpidos en relieve de friso bajo o pintados en monótonos en camaïeu («como camafeos»), medallones aislados o jarrones o bustos o bucrania u otros motivos, suspendidos en manojos de laurel o cinta, con arabescos esbeltos contra fondos, quizás, de «rojo pompeyano» o tintes pálidos, o colores de piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec («estilo griego»), no un estilo de corte; cuando Luis XVI accedió al trono en 1774, María Antonieta, su reina amante de la moda, trajo el estilo «Luis XVI» a la corte. Sin embargo, no hubo ningún intento real de emplear las formas básicas de los muebles romanos hasta alrededor del cambio de siglo, y los fabricantes de muebles eran más propensos a pedir prestado de la arquitectura antigua, al igual que los plateros eran más propensos a tomar de la cerámica antigua y la piedratalla que la metalistería: «Diseñadores y artesanos … parecen haber tenido un placer casi perverso en transferir motivos de un medio a otro».

A partir de 1800 una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través de grabados y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo, el renacimiento griego. Al mismo tiempo, el estilo Imperio fue una ola más grandiosa de neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Basado principalmente en los estilos romanos imperiales, se originó en, y tomó su nombre de, el gobierno de Napoleón en el Primer Imperio Francés, donde estaba destinado a idealizar el liderazgo de Napoleón y el Estado francés. El estilo corresponde al más burgués estilo Biedermeier en las tierras de habla alemana, el estilo federal en los Estados Unidos, el estilo Regencia en Gran Bretaña, y el estilo Napoleón en Suecia. Según el historiador del arte Hugh Honor «tan lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y transformación de nuevo una vez más en un mero renacimiento antiguo, drenado de todas las ideas de alta mentalidad y la fuerza de convicción que había inspirado su obras maestras». Una fase anterior del estilo fue llamada el estilo Adam en Gran Bretaña y «Louis Seize», o Louis XVI, en Francia.

El neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en el arte académico a lo largo del siglo XIX y más allá, una constante antítesis al romanticismo o los renacimientos góticos, aunque a partir de finales del siglo XIX en adelante se había considerado a menudo anti-moderno, o incluso reaccionario, en círculos críticos influyentes. [¿Quién? ] Los centros de varias ciudades europeas, notablemente St. Petersburg y Munich, llegaron a parecerse mucho a museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura neogótica (a menudo vinculada con el movimiento cultural romántico), un estilo que se originó en el siglo XVIII y que creció en popularidad a lo largo del siglo XIX, contrastó el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizaba por estilos griegos y romanos, líneas geométricas y orden, la arquitectura neogótica puso énfasis en los edificios de aspecto medieval, a menudo hechos para tener un aspecto rústico, «romántico».

Francia

Estilo Luis XVI (1760-1789)

Marca la transición del rococó al clasicismo. A diferencia del clasicismo de Luis XIV, que transformó los ornamentos en símbolos, el estilo de Luis XVI los representa tan realistas y naturales como sea posible, es decir, las ramas de laurel son realmente ramas de laurel, rosas iguales, y así sucesivamente. Uno de los principales principios decorativos es la simetría. En interiores, los colores utilizados son muy brillantes, incluyendo blanco, gris claro, azul brillante, rosa, amarillo, lila muy claro y oro. Se evitan los excesos de ornamentación. El retorno a la antigüedad es sinónimo sobre todo de un retorno a las líneas rectas: verticales y horizontales estrictos eran el orden del día. Las serpentinas ya no eran toleradas, excepto por el ocasional semicírculo u óvalo. La decoración interior también honraba este gusto por el rigor, con el resultado de que las superficies planas y ángulos rectos volvieron a la moda. El ornamento se utilizó para mediar esta severidad, pero nunca interfirió con las líneas básicas y siempre se dispuso simétricamente alrededor de un eje central. Aun así, ébénistes a menudo canteaba ángulos anteriores para evitar una rigidez excesiva.

Los motivos decorativos del estilo de Luis XVI se inspiraron en la antigüedad, el estilo de Luis XIV y la naturaleza. Elementos característicos del estilo: una antorcha cruzada con una funda con flechas, discos imbricados, guilloché, nudos de arco dobles, braseros ahumadores, repeticiones lineales de pequeños motivos (rosetas, abalorios, hornos), medallones trofeo o florales que cuelgan de una cinta anudada, hojas de acanto, gadrooning, interlace, meandros, cornucopias, mascarones, urnas antiguas, trípodes, quemadores de perfume, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y gryphons. Los motivos arquitectónicos grecorromanos también son muy utilizados: flautas, pilastras (estriadas y sin diluir), balaustres estriados (retorcidos y rectos), columnas (enganchados y no tensados, a veces reemplazados por caryathids), ménsulas de voluta, triglifos con guttae (en relieve y trompe-l’œil).

Estilo imperial (1804-1815)

Representa a la nueva sociedad francesa que ha salido de la revolución que marcó la pauta en todos los campos de la vida, incluido el arte. La máquina Jacquard se inventa durante este período (que revoluciona todo el sistema de costura, manual hasta entonces). Uno de los colores dominantes es el rojo, decorado con bronce dorado. También se utilizan colores brillantes, incluyendo blanco, crema, violeta, marrón, azul, rojo oscuro, con pequeños adornos de bronce dorado. La arquitectura interior incluye paneles de madera decorados con relieves dorados (sobre fondo blanco o de color). Los motivos se colocan geométricamente. Las paredes están cubiertas de estucos, telas de papel pintado. Las chimeneas están hechas de mármol blanco, con cariátides en sus esquinas, u otros elementos: obeliscos, esfinges, leones alados, y así sucesivamente. Se colocaron objetos de bronce en la parte superior, incluidos relojes de chimenea. Las puertas constan de sencillos paneles rectangulares, decorados con una figura central de inspiración pompeyana. Las telas Empire son damasks con fondo azul o marrón, satén con fondo verde, rosa o púrpura, terciopelos de los mismos colores, broches de oro o plata y tejidos de algodón. Todos ellos fueron utilizados en interiores para cortinas, para cubrir ciertos muebles, para cojines o tapicería (el cuero también se utiliza para tapicería).

Todo el ornamento del Imperio está gobernado por un espíritu riguroso de simetría que recuerda al estilo de Luis XIV. Generalmente, los motivos en los lados derecho e izquierdo de una pieza se corresponden en cada detalle; cuando no lo hacen, los motivos individuales son totalmente simétricos en su composición: cabezas antiguas con trenzas idénticas que caen sobre cada hombro, figuras frontales de Victoria con túnicas simétricas, rosetas idénticas o cisnes flanqueando una placa de cerradura, etc. Al igual que Luis XIV, Napoleón tenía un conjunto de emblemas inequívocamente asociados con su gobierno, sobre todo el águila, la abeja, las estrellas, y las iniciales I (para Imperator) y N (para Napoleón), que por lo general se inscriben dentro de una corona de laurel imperial. Los motivos utilizados incluyen: figuras de Victoria con ramas de palma, bailarines griegos, mujeres desnudas y drapeadas, figuras de carros antiguos, putti alado, mascarones de Apolo, Hermes y la Gorgona, cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes, mariposas, garras, quimeras aladas, esfinges, bucrania, caballitos de mar, coronas de roble anudadas por finas cintas de salida, trepadoras, amapola rinceaux, rosetas, ramas de palma y laurel. Hay muchas grecorromanas: hojas rígidas y planas de acanto, palmetas, cornucopias, abalorios, ánforas, trípodes, discos imbricados, caducicios de Mercurio, jarrones, cascos, antorchas ardientes, trompetistas aladas, y antiguos instrumentos musicales (tubas, sonajeros y especialmente liras). A pesar de su antigua derivación, las flautas y los triglifos tan prevalentes bajo Luis XVI son abandonados. Los motivos del renacimiento egipcio son especialmente comunes al principio del período: escarabajos, capiteles de loto, discos alados, obeliscos, pirámides, figuras que llevan némesis, cariátides en gaine apoyados por pies descalzos y con las mujeres tocados egipcios.

El Reino Unido

Estilo Adam

El estilo de Adán fue creado por dos hermanos, Adán y Santiago, que publicaron en 1777 un volumen de grabados con ornamentación interior. En la decoración interior realizada según los dibujos de Robert Adam, las paredes, techos, puertas y cualquier otra superficie, se dividen en grandes paneles: rectangulares, redondos, cuadrados, con estucos y motivos grecorromanos en los bordes. Los adornos utilizados incluyen festones, perlas, bandas de huevos y dardos, medallones y cualquier otro motivo utilizado durante la antigüedad clásica (especialmente los etruscos). Accesorios decorativos como jarrones de piedra en forma de urnas, platería dorada, lámparas y stauettes tienen la misma fuente de inspiración, la antigüedad clásica.

El estilo de Adán enfatiza espejos rectangulares refinados, enmarcados como pinturas (en marcos con hojas estilizadas), o con un frontón sobre ellos, apoyando una urna o un medallón. Otro diseño de los espejos de Adán tiene la forma de una ventana veneciana, con un gran espejo central entre otros dos más delgados y más largos. Otro tipo de espejos son los ovalados, generalmente decorados con festones. Los muebles de este estilo tienen una estructura similar a los muebles de Luis XVI.

Los Estados Unidos

Estilo federal

En el continente americano, la arquitectura y la decoración interior han estado muy influenciadas por los estilos desarrollados en Europa. El sabor francés ha marcado mucho su presencia en los estados del sur (después de la Revolución Francesa algunos emigrantes se han trasladado aquí, y en Canadá una gran parte de la población tiene orígenes franceses). El espíritu práctico y la situación material de los estadounidenses en ese momento dio a los interiores una atmósfera típica. Todos los muebles estadounidenses, alfombras, vajillas, cerámica y platería, con todas las influencias europeas, y a veces islámicas, turcas o asiáticas, se hicieron de conformidad con las normas estadounidenses, el gusto y los requisitos funcionales. Ha existido en los Estados Unidos un período del estilo de la reina Ana, y uno de Chippendale. Un estilo propio, el estilo federal, se ha desarrollado completamente en los siglos XVIII y principios del XIX, que ha florecido siendo influenciado por el gusto británico. Bajo el impulso del neoclasicismo, la arquitectura, los interiores y el mobiliario han sido creados. El estilo, aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de la arquitectura, interiores y muebles son clasicistas, e incorporan influencias barrocas y rococó. Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral y incrustaciones de bronce o latón (a veces doradas).

Jardines en el Neoclasicismo

En Inglaterra, la literatura augusta tenía un paralelo directo con el estilo augusto del diseño del paisaje. Los vínculos se ven claramente en el trabajo de Alexander Pope. Los mejores ejemplos de jardines ingleses neoclásicos son Chiswick House, Stowe House y Stourhead.

Neoclasicismo y moda

En la moda, el neoclasicismo influyó en la simplicidad mucho mayor de los vestidos de las mujeres, y la moda de larga duración para el blanco, desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después de que los intentos exhaustivos de imitar los estilos antiguos se pusieron de moda en Francia, al menos para las mujeres. Los trajes clásicos habían sido usados durante mucho tiempo por damas de moda que se hacían pasar por alguna figura del mito griego o romano en un retrato (en particular había una serie de retratos de la joven modelo Emma, Lady Hamilton de la década de 1780), pero tales trajes sólo se usaban para el retrato sentado y las bolas de mascarada hasta el período revolucionario, y tal vez, como otros estilos exóticos, como desnudarse en casa. Pero los estilos utilizados en los retratos de Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien y otros creadores de tendencias parisinos eran también para salir al público. Al ver a Mme Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó: «Il n’est pas possible de s’exposer plus somptueusement!» («One could not be more sumptuously undressed»). En 1788, justo antes de la Revolución, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun había celebrado una cena griega donde las damas llevaban túnicas blancas grises. Los peinados clásicos más cortos, cuando era posible con rizos, eran menos controvertidos y muy ampliamente adoptados, y el cabello ahora estaba descubierto incluso al aire libre; a excepción del vestido de noche, sombreros u otras cubiertas se habían usado normalmente incluso en interiores antes. En su lugar, se usaron cintas o filetes finos de estilo griego para atar o decorar el cabello.

Vestidos muy ligeros y sueltos, generalmente blancos y a menudo con los brazos sorprendentemente desnudos, se elevaban desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, donde había un dobladillo delgado fuertemente enfatizado o una corbata alrededor del cuerpo, a menudo en un color diferente. La forma es ahora a menudo conocida como la silueta del Imperio, aunque es anterior al Primer Imperio Francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Joséphine de Beauharnais fue influyente en su difusión por toda Europa. Un largo chal rectangular o envoltura, muy a menudo de color rojo claro, pero con un borde decorado en los retratos, ayudado en un clima más frío, y al parecer se colocó alrededor de la mitad del riff cuando sentado, para lo cual se favorecieron las posturas extendidas semi-reclinadas. A principios del siglo XIX, tales estilos se habían extendido ampliamente por toda Europa.

La moda neoclásica para los hombres era mucho más problemática, y nunca realmente despegó más que para el cabello, donde jugó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente envió el uso de pelucas, y luego el pelo blanco en polvo, para los hombres más jóvenes. El pantalón había sido el símbolo del bárbaro para los griegos y los romanos, pero fuera del taller del pintor o, sobre todo, del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, el período vio el triunfo del pantalón puro, o pantalón, sobre el culotte o rodilleras del Antiguo Régimen. Incluso cuando David diseñó un nuevo «traje nacional» francés a petición del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario por cambiar todo en 1792, incluyó leggings bastante apretados bajo un abrigo que se detuvo por encima de la rodilla. Una alta proporción de hombres jóvenes acomodados pasó gran parte del período clave en el servicio militar debido a las guerras revolucionarias francesas, y el uniforme militar, que comenzó a hacer hincapié en chaquetas que eran cortas en el frente, dando una visión completa de apretadopantalones ajustados, a menudo se llevaba cuando no estaba de servicio, e influyó en los estilos civiles masculinos.

El problema del pantalón había sido reconocido por los artistas como una barrera para crear pinturas de historia contemporánea; al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea que fueron vistos como irremediablemente feo y poco erótico por muchos artistas y críticos. Se utilizaron varias estratagemas para evitar representarlos en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood Descubriendo las ruinas de Palmyra (1758) de Gavin Hamilton, los dos caballeros anticuarios se muestran en togas como túnicas árabes. En Watson and the Shark (1778) de John Singleton Copley, la figura principal podría ser mostrada desnuda, y la composición es tal que de los otros ocho hombres mostrados, sólo uno muestra una sola pierna arqueada prominentemente. Sin embargo, los estadounidenses Copley y Benjamin West dirigieron a los artistas que demostraron con éxito que los pantalones podían ser utilizados en escenas heroicas, con obras como La muerte del general Wolfe de West (1770) y La muerte del mayor Peirson de Copley, 6 de enero de 1781 (1783), aunque el pantalón todavía se estaba evitando cuidadosamente en La Balsa de la Medusa, terminado en 1819.

Los estilos de cabello masculinos de inspiración clásica incluyen el Bedford Crop, posiblemente el precursor de la mayoría de los estilos masculinos modernos, que fue inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford como protesta contra un impuesto sobre el polvo capilar; animó a sus amigos a adoptarlo apostando que no lo harían. Otro estilo influyente (o grupo de estilos) fue nombrado por los franceses «a la Titus» en honor a Titus Junius Brutus (no de hecho el emperador romano Tito como a menudo se supone), con el pelo corto y en capas, pero algo amontonado en la corona, a menudo con quiffs o cerraduras contenidas; las variantes son familiares del pelo de Napoleón y de George IV del Reino Unido. Se suponía que el estilo había sido introducido por el actor François-Joseph Talma, que eclipsó a sus compañeros peludos al aparecer en producciones de obras como Brutus de Voltaire (sobre Lucius Junius Brutus, que ordena la ejecución de su hijo Tito). En 1799 una revista de moda parisina informó que incluso los hombres calvos estaban adoptando pelucas de Titus, y el estilo también fue usado por las mujeres, el Journal de Paris informó en 1802 que «más de la mitad de las mujeres elegantes llevaban su cabello o peluca a la Titus.